История изобразительного искусства знает немало полотен, удостоившихся звания шедевра. Их выставляют в музеях, тщательно исследуют и продают на аукционах за сотни миллионов долларов. Но только некоторым из них удается обрести особое влияние на культуру и стать в сознании многих поколений символом эпохи. Известность таких шедевров выходит за пределы узких кругов специалистов по истории искусства и активно покоряет пространство массовой культуры. Вы можете увидеть упоминания о них в фильмах, перформансах, художественных произведениях, архитектуре, мемах и просто на улице.
Леонардо Да Винчи, «Тайная вечеря» (1495-1498)
Известная роспись гениального итальянского художника эпохи Возрождения посвящена последней трапезе Иисуса Христа. По мнению исследователей, автор изобразил момент после слов о будущем предательстве Иуды Искариота. На протяжении столетий роспись многократно копировалась и помещалась в монастырских трапезных. Новый всплеск популярности произведения наблюдался в середине нулевых благодаря книге Дэна Брауна «Код да Винчи». В ней роспись стала объектом пристального внимания со стороны искателей сокровенного знания о событиях двухтысячелетней давности. Отсылки к сюжету работы Да Винчи часто используют, когда речь идет о круге приближенных или обсуждении некой тайны, недоступной непосвященным. Роспись можно увидеть на стене доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.
Леонардо Да Винчи, «Мона Лиза» (1503-1505)
Один из самых загадочных портретов в истории изобразительного искусства. До сих пор можно услышать немало предположений по поводу таинственной улыбки и личности женщины, изображенной на полотне.
«Мона Лиза» Леонардо Да Винчи. Фотографии © gallerix.ru
Существует не менее 10 версий, объясняющих, кого на самом деле изобразил Леонардо, но ни одна из них не подкреплена убедительными доказательствами. В своих произведениях отсылки к произведению оставляли: Казимир Малевич, Марсель Дюшан, Фернан Леже, Сальвадор Дали, Рене Магритт, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол и другие. Пика популярности картина достигла в век развития информационных технологий, когда ей удалось стать самым узнаваемым произведением изобразительного искусства.
Леонардо Да Винчи, «Витрувианский человек» (1492)
Изображение человека было сделано художником в его дневнике. Свое название оно получило благодаря творчеству античного архитектора Витрувия, искавшего идеальные пропорции для архитектурных сооружений путем изучения пропорций человеческого тела. Витрувианский человек имеет косвенное отношение к математическим решениям, описанным в эпоху Античности. Вероятно, сам Леонардо просто использовал общую идею для своих исканий, на практике не следуя положениям теории Витрувия. Рисунок стал символом различных исканий в области математики, ориентированным на пропорции человеческого тела. После актуализации проблемы защиты окружающей среды он стал художественным воплощением идеи гармонии человека и природы. В 2011 году Джон Квигли в Северном ледовитом океане изобразил на тающих ледниках реплику «Витрувианского человека» для привлечения внимания к проблеме глобального потепления.
Микеланджело Буонарроти, «Сотворение Адама» (1511-1512)
Фреска на потолке Сикстинской капеллы посвящена моменту создания первого человека: в окружении ангелов Бог соприкасается пальцами с Адамом. Произведение считается один из самых популярных в массовой культуре. Отсылки к фрагменту с прикосновением пальцев рук часто можно увидеть на рекламных баннерах, в фильмах, картинах и художественных произведениях. К примеру, в 10 серии 1 сезона сериала «Мир Дикого Запада» доктор Форд говорит, что Леонардо оставил зашифрованное послание на фреске, согласно которому сознание не есть подарком божественных сил, но результатом деятельности нашего мозга. В качестве доказательства он повторяет пальцем в воздухе контур поля, где изображен Бог и ангелы, указывая на его сходство с формой мозга. Сегодня сюжет фрески считается наиболее удачной метафорой тайны появления человека.
Питер Брейгель Старший, «Вавилонская башня» (1563)
Картина нидерландского живописца стала попыткой художественного осмысления библейской истории о столпотворении. Согласно Писанию, в древние времена люди захотели стать подобными богам и для этого начали строительство башни, устремленной в небо. В наказание за гордыню Бог смешал языки строителей, чтобы они не смогли завершить свой дерзкий замысел. С тех пор вавилонская башня стала символом тщетности человеческих надежд на самовольное обожествление. Питер Брейгель Старший создал наиболее интересный и увлекательный образ этого мифа, живущий в массовом сознании человечества и в наше время. Существует 2 версии картины (венская и роттердамская), написанные в один год. Весьма оригинальную отсылку к брейгелевской версии вавилонской башни (аутентичные зиккураты имели прямоугольный фундамент) можно увидеть в архитектуре здания Европарламента в Страсбурге. В фасаде виднеется характерный проем, изображенный на картине нидерландского живописца.
Каспар Давид Фридрих, «Странник над морем тумана» (1818)
Полотно художника-романтика изображает традиционный для его творчества сюжет: перед лицом захватывающей дух природы неизвестный герой стоит, созерцая бездны внутренних переживаний. Традиционная для всех романтиков тема внутренней борьбы и сосредоточенности на духовном бытии здесь обретает оригинальное художественное осмысление. Эффектные образы на полотне передают зрителю импульсы внутреннего напряжения героя повествования и приобщают к его видению мира. Картина Каспара описывает языком художественных форм эстетическую концепцию романтизма. Отсылки к произведению можно увидеть в фильмах, книгах и в массовой культуре. К примеру, в фильме-фэнтези «Эспен в королевстве троллей» (2017) есть эпизод, где главный герой, стоя спиной к зрителю, наслаждается восхитительной красотой норвежских гор.
Кацусика Хокусай, «Большая волна в Канагаве» (1823-1831)
Гравюра на дереве, изображающая священную для всех японцев гору Фудзияма, стала своеобразным мостом между изобразительным искусством Запада и Востока. Традиционный для восточного искусства сюжет сочетается с европейской техникой перспективы и использованием пигмента берлинская лазурь.
«Большая волна в Канагаве» Кацусика Хокусай. Фотографии © ar.culture.ru
Японская гравюра привлекла огромное внимание европейских художников, режиссеров и музыкантов. Изображение большой волны на фоне горы Фудзи можно увидеть в коллекциях Винсента ван Гога, Огюста Ренуара, Камиля Писсарро и других известных мастеров. Также картина была использована в качестве обложки для партитуры «Море» французского композитора Клода Дебюсси. Отсылки к произведению есть также в цикле «36 видов на Эйфелеву башню», а также гравюре «Волна, ударяющаяся о скалу и падающая аркой» кисти Анри Ривьера.
Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ» (1830)
На полотне изображена женщина Марианна с обнаженной грудью и флагом Французской республики. В современной Франции ее даже считают олицетворением священного для всех французов девиза «Свобода, Равенство, Братство». Образ женщины, созданный Делакруа, сочетает в себе черты античной богини и простой революционерки из народа. Позже фрагменты картины можно было видеть на французских франках вместе с портретом ее автора. Небезосновательно исследователи предполагают, что образ Марианны был использован при разработке проекта Статуи Свободы, подаренной американцам. Произведение Делакруа оказало огромное влияние на традицию эстетического осмысления образа революции, революционной деятельности и свободы.
Винсент Ван Гог, «Подсолнухи» (1888)
Общее название для 2 циклов полотен. Любовь к подсолнухам побудила мастера уделить работе над ними особое внимание. Натюрморт стал своеобразным брендом художника, таким же узнаваемым в кругах экспертов в области искусства, как и «Мона Лиза» Да Винчи или «Сотворение Адама» Микеланджело. Во время работы над полотнами мастер использовал технику импасто, орудуя мастихином вместо традиционных кисточек. Необычное решение придало изображению необычной фактурности и рельефности. Несмотря на непростую судьбу мастера и обилие картин с весьма экстравагантным провенансом, именно «Подсолнухи» стали наиболее узнаваемым произведением.
Винсент Ван Гог, «Звездная ночь» (1889)
Городской пейзаж знаменитого нидерландского художника-постимпрессиониста был написан в импровизированной больничной студии после инцидента с отрезанной мочкой левого уха всего за один день. Оригинальная манера изображения ночного неба стала изюминкой произведения. Существует предположение, согласно которому особые психические состояния, наблюдавшиеся у художника в течение жизни, открыли ему возможность видеть мир в таком необычном свете. Художественные приемы постимпрессионизма стали символом свободы и обновления европейского искусства на рубеже XIX-XX вв.
Эдвард Мунк, «Крик» (1893)
Общее название для серии картин норвежского художника со схожим сюжетом. Существуют различные интерпретации творческого замысла мастера: одни видят на полотне реакцию человека на надвигающуюся опасность со стороны кроваво-красного неба над скандинавским фьордом, а другие – ужас человека, осознавшего свое одиночество во враждебном мире. Нетривиальный сюжет картины обрел новую интерпретацию во второй половине ХХ века. Считается, что художественное чутье автора подсказало ему, в каком состоянии будет находиться человек эпохи позднего Модерна. После двух мировых войны, эпидемии Испанки и других катаклизмов пророчество Мунка обретает совершенно другое, мрачное трактование.
Сальвадор Дали, «Постоянство памяти» (1931)
Небольшой работе мастера суждено было стать самой известной из его картин. Сюрреалистический сюжет в метафорической форме намекает зрителю на ошибочность представлений о времени как о какой-то прямой линии.
«Постоянство памяти» Сальвадор Дали. Фотографии © drinkanddraw.by
Вид расплывающихся часов вызывает ощущение эфемерности, иллюзорности проекции мира в нашем сознании. Их визуальное сходство с сыром создает «ламповую» ассоциацию с сюжетами детских сказок и фантазий. Отсылки к художественному образу, созданному Дали, можно увидеть в мультфильмах, книгах, посвященных мистике и психотехникам.
Грант Вуд, «Американская готика» (1930)
Портрет среднестатистических жителей сельской Америки первой половины ХХ века был весьма неоднозначно воспринят современниками. К примеру, в Чикагском институте искусстве работу посчитали юмористической валентинкой, а жители штата Айова пришли в негодование и даже угрожали расправой автору. Созданный Вудом образ стал одним из самых узнаваемых в американской культуре середины ХХ века. Во времена Великой депрессии критики начали интерпретировать картину в позитивном ключе как символ непоколебимости духа американских первопроходцев.
Рене Магритт, «Сын человеческий» (1964)
Картина бельгийского сюрреалиста была написана как автопортрет, но позже круг вариантов ее интерпретации был расширен. Изображенный на полотне человек является собирательным образом современных представлений об успешной жизни. Его лицо закрыто зеленым яблоком, что с одной стороны напоминает о его связи с библейским Адамом, а с другой – об условности. Строгий черный костюм и котелок регулярно можно увидеть на плакатах, в фильмах и других произведениях. Человек на полотне Магритта – это сын человеческий нашего времени.
Энди Уорхол, «Мэрилин Диптих» (1962)
Знаменитая шелкография короля поп-арта был создана после гибели американской актрисы Мэрилин Монро. На первой части диптиха копии фотографии отпечатаны в ярких красках, символизирующих расцвет сил, жизнь и путь к славе. Вторая часть произведения выполнена в черно-белых тонах с постепенным растворением и исчезновение образа актрисы. Используя довольно простую технику, автору удалось продемонстрировать полный жизненный круг и создать одну из самых запоминающихся работ, посвященных очаровательной блондинке из Голливуда.
Искусствовед KyivGallery